LA ESFERA ROJA

Video Experimental - Morris

Recomiendo escucharlo con audífonos para acercarse más a la experiencia Morris.

Timeline

Sergéi Paradzhánov on Dipity.

Matthew Barney - Cremaster

Me parece que el trabajo de Matthew Barney es interesante en cierto nivel estético, tendría que ver la serie completa, pero de ver algunos capítulos, me queda la sensación de que es complicado en su contenido mientras que lo visual llama mucho la atención creando su propio universo Cremaster. Es un trabajo que requiere del discurso, para tener una experiencia mas completa se necesita saber que significa el titulo, que tipo de simbolismo utiliza, si hay algo detrás de esas coreografías gigantescas y vestuarios extravagantes. Creo que esta serie requiere verse completa y varias veces para así poder acceder al mundo que crea Barney, como hemos accedido, en mi caso con dificultades, al universo de Tarkovsky y otros grandes cineastas. La diferencia es que cuando comencé a ver Tarkovsky, aunque no logré acceder y no tenía ninguna pista, había algo que me llamó, me entusiasmó a ver mas de su obra varias veces aún sin saber la intención. Espero poder descubrir a Barney en un futuro.

Tiempo Abstracto

1. Tiempo presente- pasado. En este tiempo se puede tener a la misma persona en diferentes etapas de su vida en un mismo espacio, en un mismo tiempo. En este ejemplo vemos como Woody Allen está recordando su infancia y de pronto el entra con su persona en tiempo presente, pero sigue siendo el pasado.

2. Tiempo-movimiento en reversa - En esta secuencia de Jean Cocteau, cuando hay una foto en el fuego, no se está quemando, del fuego esta surgiendo y cuando está completa sube hasta las manos de una señora. Este es un tiempo que solo el cine puede lograr, pero no muchos lo hacen como lo logra Cocteau a lo largo de sus obras.

3. Timelapse - Este tipo de tiempo puede contener mucho tiempo en imagenes que al proyectarlas rapidamente la la ilusión de ser un tiempo comprimido. Por ejemplo en este video vemos como las hormigas se comen a un reptil, sin este recurso, no sería tan atractivo ya que probablemente fue un proceso largo. Con este tiempo abstracto se nos presenta en menos de dos minutos.

4. Este tiempo no se como nombrarlo, es el que utiliza Akira Kurosawa en Rashomon. Hay un tiempo desde todos se vana otro tiempo, es decir, el presente es cuando están recordando la historia. Pero lo interesante aquí es que todos regresan supuestamente al mismo tiempo pero describiendo los hechos de distinta forma. Kurosawa crea tiempos simultáneos y diferentes.

5. Este tiempo se crea cuando se rompe la distancia entre la ilusión de

realidad y la mirada directa del actor. En este ejemplo, Noches de Cabiria de Fellini,

en la toma final de la película Cabiria voltea a ver a la cámara y nos sonríe, en ese

momento se siente muy raro, en mi experiencia ese tipo de tiempo se parece al de la

mirada caminante, esa mirada que puedes mantener con un extraño en la calle y que si

su intensidad llega a cierto nivel, se crea un tiempo donde no hay lugar para las

mascaras y puede durar una eternidad, cuando en realidad fueron cuatro pasos.

Pipilotti Rist - Ajourd´hui

Me parece interesante que Rist proponga otra manera de ver su obra, inclinando la cabeza 90º hacia la izquierda. El simple hecho de poner un texto con esa especificación, hace que el espectador entre en otro tipo de experiencia ya que con la televisión y el cine convencional, no se toman riesgos de este tipo y nuestra visión de la imagen en general es horizontal y con cierto rango de medidas. Me parece que este trabajo tiene cosas interesantes como la técnica utilizada para grabarse a ella misma (gracias al video), el formato, las imágenes que se dibujan en su frente, las locaciones, la música.

Peter Tscherkassky - Dream Work, Manufaktur

Peter utiliza elementos de carácter surrealista, que como indica el titulo, hacen referencia a como se componen los sueños. La sobreposición de imágenes, el sonido que en momentos llega a ponernos junto con la imagen en un estado de trance que en mi experiencia necesitó de unos minutos de rechazo hasta que se cede al material y se logra acceder. Este material refleja muchas horas de trabajo, la edición es compleja, violenta y atascada, pero logra cierto erotismo aunque en momentos es una pesadilla.

A confrontation with the codes of narrative-representational cinema is one of Peter Tscherkassky´s constant concerns. If one attempts to distill a constant from his films, then this must surely be the oscillation between the abstract and the concrete, between the dry and the sensual, which is the source of energy of his work. The question of belly or brain is one which Tscherkassky stopped asking long ago - for ultimately sobriety is the route to ecstasy.
(Gabriele Jutz)

Manufaktur - un ritmo que se vuelve neurótico junto con el sonido, vemos coches y mas coches, un montaje repetitivo.

Me recuerda a la ciudad, a la radio, a todos esos elementos que pueden llegar a desesperar y pedir un poco de paz.

Peter Kubelka - Adebar

Este trabajo se concentra en el tiempo y movimiento, podemos quitarle sus características diferenciales a las personas para no desviarnos a la expresión de los bailarines, elemento que es importante en la danza, de cierta forma la expresión tiene que tener coherencia con el movimiento corporal, pero en este caso Kubelka nos presenta una danza en la que el movimiento de las siluetas junto con el montaje y la música crean una experiencia diferente, en la que en momentos no se vuelve abstracto al no reconocer que parte del cuerpo estamos viendo.

Habrán visto a Kubelka los creativos de Apple?

Diamond Sea - Doug Aitkens

En Diamond Sea nunca aparece el responsable del contenido de las imágenes, solo algunas huellas que nos aseguran que el interés económico ha llegado hasta ese paisaje solitario. El hombre está presente sin tener que verlo, en las gotas cayendo, en la luz que dejan pasar los bodegones, en el movimiento de los monstruosos mecanismos de construcción y destrucción.

En partes me recuerda a "Lessons of Darkness" de Werner Herzog, pero agradezco el hecho de que la estilización de la imagen no sea tan preciosista como podría serlo.

By Night with torch and Spear - Joseph Cornell

What Cornell’s movies are is the essence of a home movie. They deal with things very close to us, every day and everywhere. Small things, not the big things. Not wars, not stormy emotions, dramatic clashes or situations. His images are much simpler. [...] The boxes, the collages, the home movies of Joseph Cornell are the invisible cathedrals of our age. That is, they are almost invisible, as are all the best things that man can still find today: They are almost invisible unless you look for them.

— Jonas Mekas, “The Invisible Cathedrals of Joseph Cornell,” The Village Voice, December 31, 1970. Reprinted in Jonas Mekas: Movie Journal.

Creo que la capacidad de dar nuevos significados a la imagen, en el caso de Joseph Cornell es impresionante, creo que a partir de los movimientos de los seres humanos junto con los movimientos de las maquinas, el fuego, el humo y la música utilizada le dan una cierta licencia poética que creo es difícil conseguir con un material apropiado. De pronto las cosas suben, pero también bajan, en momentos se pierde el sentido de lo que esta arriba y lo que esta al revés, reta a la gravedad.

Bill Viola

Bill Viola is recognized around the world as a major figure in video art. Many believe he is the most important artist
working in video today. With tapes of remarkable visual and aural beauty, poetic resonance and technical virtuosity,
Viola has virtually defined the state of the art for more than a decade and has given the young tradition at least a
score of its acknowledged masterpieces . There can be no serious center of film/video studies in the western world
and Japan that has not exhibited his work, and his influence on his contemporaries and on the new generation of
video artists in the United States is incalculable.
Born in New York in 1951, Viola received his early training in electronic music and video at Syracuse University;
his first videotapes were produced there in 1972 at the pioneering Synapse Video Center . Meanwhile he continued
working in electronic and acoustical sound. In 1973 he began a long association with composer David Tudor as a
founding member of Tudor's Rainforest ensemble; the following year he also performed with Alvin Lucier . He has
maintained active involvement in musical performance and sound installations ever since, an interest that is reflected
in the structure, rhythm and acoustic qualities of his work in video.
Conceptual and performance art were also important early influences, not only in the general cultural sense but
through working as technical assistant to other artists, first at the Synapse Video Center, later (from 1974 to 1976) as
technical director in charge of production at Art/Tapes/22 in Florence, Italy. Nam June Paik, Alan Kaprow, Dennis
Oppenheim, Vito Acconci, Douglas Davis and Peter Campus were among the artists with whom Viola worked at
these facilities. Campus, who used video techniques to create visual metaphors for psychological and metaphysical
themes (as in Three Transitions , 1973), strongly influenced Viola's approach to performance in video. But Viola was
equally inspired by the work of experimental filmmakers, especially Michael Snow and Stan Brakhage. The
influence of Snow's 1966 classic of structural cinema, Wavelength, is apparent in The Space Between the Teeth
(1976) and Ancient of Days (1981) . References to Brakhage are found in Hatsu-Yume (First Dream) (1981) and in _I
Do Not Know What It Is I Am Like (1986) .
The life of other cultures has also been an important influence on Viola's work. He has traveled to every continent
on the globe for the production of his videotapes, renowned for their exotic settings. For the first two years of this
decade he lived in Japan, where he studied with Zen priest Daien Tanaka and was artist in residence at the Sony
Corporation . Since 1982 he has resided in Southern California. Still a young man not yet midway through his career,
he has already received retrospective exhibitions at some of the most prestigious museums in the United States and
Europe, and has been honored with this country's highest awards for distinguished achievement in his field. He is
among the very few video artists who are successful enough to practice their craft full time without commercial
compromise.

The Reflecting Pool

El plano único de The Reflecting Pool está compuesto a partir de tres grabacio­nes diferentes, de forma que la imagen está “fragmentada en tres niveles de tiempo distintos (tiempo real, tiempo suspendido, lapso de tiem­po) y reconstruida de suerte que se asemeje a la imagen de un espacio único” (8). El trucaje electrónico permite justamente des‑solidarizar los espacios en el seno de una misma imagen, dotándolos de autonomía temporal, permitiendo aquí una autonomía temporal, allí una cuasi inmovilidad, más allá una aceleración.

Con minimos recursos Viola hace un reflexión sobre la vida, la muerte, el nacimiento, el reflejo. Cuando esta persona salta, esperamos verla caer, la espectativa que crea es parte de la misma reflexión, a mi parecer este material tiene muchos niveles de lectura, muchos tiempos sucediendo a la vez, explora las posibilidades mas importantes que nos ofrece el cine y el avance tecnologico que permite la manipulación de los planos.

Este filme me transmite el tiempo contenido de las transiciónes del tiempo, se puede relacionar con las transicónes por las que pasamos todos los seres humanos a trvés dela propia existencia, parte demi lectura fue que seguimos siendo los mismos, en una posición casi siempre parecida mientras nuestro entorno cambia, cambiando también nuestro reflejo, que a veces es dificil de encontrar, en este caso la superficie reflejante es el agua, pero es una metafora del reflejo que buscamos en todos los acontesimientos.

Migration

The idea for Migration came to Viola while he was walking down a street one rainy day in New York. His glasses
were covered with raindrops and he saw that each drop was a lens. Everything around him was covered with little
hemispherical lenses that contained optical microcosms of the environment. He was surrounded by worlds within
worlds . He couldn't see the images in the beads of water on a passing car but he knew they were there. It was a
question of scale. He recalled an exhibition of satellite photos that showed first the east coast, then the New York
area, then just Manhattan, then just lower Manhattan . What fascinated him was not that one could seebuildings from
that distance, but that such detail wasn't the result of a zoom or a blowup as we normally understand them. They
hadn't used four different telephoto lenses and made four different pictures . It was all one computer-enhanced
electronic image, a database. The information in the closeup existed already in the larger-scale .

Con lo que me quedo de este trabajo es la interpretación de la gota que cae produciendo ondas en el agua junto con el sonido que no siempre cae en sincronía. Creo que este tipo de filme da la posibilidad de interpretarlo como queramos, a mi esa relación entre el sonido y las ondas me pareció muy bello y poético, después cuando se acerca la toma me doy cuenta de que no es como lo pensaba en un principio, pero no le quitó ese valor poético que le agregué, no hay porque tener una interpretación rigida a partír de estos materiales, creo que es justamente lo que no se busca.

Ancient of Days

Ancient of Days is a kind of anthology of his experiments with time, particularly the relation of digital timecode
(used in computer editing) to perception. He may well be the only artist in the world today who is not only
systematically addressing this issue but is actually beginning to reveal some possibilities, specifying new trajectories
for cinematic language, whose evolution henceforth will depend on and be inseparable from the computer, that most
intelligent of possible clocks.

Bill Viola experimenta de nuevo con el tiempo, parece no estar conforme con un tiempo lineal y convencional. En "Ancient of days" hace una especie de timelapses en los que vemos el peso del tiempo reflejado por el cambio de luz sobre el mismo plano, me parece que tiene cualidades fantasmagoricas, el paso del tiempo se hace tan ligero y tan falso, que ya no importa que el sonido corresponda o no con la imagen. El filme comienza y termina con un reloj, reafirmando que lo que hace es manipular el tiempo.

Otro cuestionamiento viene hacia el final del filme, cuando la imagen que estamos viendo esta siendo proyectada en la calle en Japón, cuando la imagen se hace pública, y te das cuenta de que esta siendo representada dentro de otra representación, ¿Tendra esto relación con el final donde estamos viendo el interior de una casa?

Hatsu Yume

El título de la videocreación es una alegoría espiritual que compara la luz y la oscuridad con la vida y la muerte. Hace referencia a la cultura popular japonesa, donde las acciones realizadas el primer día del año son especialmente relevantes.

Fake Fruit Factory de Chick Strand

Es interesante como Chick retrata de una manera sutíl la relación de poder que existe entre jefe y empleados, y en este caso es aún mas evidente ya que se trata de un jefe de trabajo de nacionalidad estadounidense y las trabajadoras son mexicanas. Creo que hay dos elementos en este filme que reflejan su intensión, una es las platicas que tienen las trabajadoras sobre el jefe y su amigo, teniendo la imagen de una mujer de bajo nivel economica en México, me saltó el escuchar a estas mujeres expresandose tan abiertamente sobre la relación que mantienen con el gringo, el otro elemento me parece que son las imágenes en las que vemos a estas chicas en traje de baño, la camara es casi humana y provocativa.

http://www.youtube.com/watch?v=AQqCYf5FRoo

El discurso detrás de este filme es muy fuerte, es admirable como Dara utiliza imágenes de la propia televisión para criticarla y cuestionar la visión que proponen sobre la mujer. Es interesante que sacando este material de su contexto original se puede interpretar de un manera muy distinta, lo cual se dificulta cuando se ve como parte de un material televisivo. Al repetir tomas de la propia serie, nos hace cuestionar porque le dan esa posibilidad de lectura a la super mujer que explota una y otra vez en la pantalla. Wonder Woman se convierte en una mujer ornidaria a partir de su vestuario, cuando tiene menos ropa es poderosa, ¿Que nos quiere decir Dara con la repetición de esta transformación?

I-I-IIII-I-I-AHH
I-I-IIII AM WONDERWONDER WOMAN
I AM WONDERWONDER WOMANYEAHOUHH
I AM WONDERWONDER WOMANI AM WONDERWONDER WOMAN
GET US OUT FROM UNDERWONDER WOMAN
GET US OUT FROM UNDERWONDER WOMAN
GET US OUT FROM UNDERWONDER WOMAN
THIS IS YOUR WONDER WOMANTALKING TO YOUSAID I WANT TO TAKE YOU DOWNSHOW YOU ALL THE POWERS THAT I POSSESSAND OO-OU-U-UU-UUU-UUUU
SHAKE THY WONDER MAKERMAKE SWEET MUSIC TO YOU BABYOU-U-UU-UUU
SHAKE THY WONDER MAKERAH-H-I JUST WANNASHAKE THY WONDER MAKER FOR YOU
SHAKE THY WONDER MAKER(YES INDEED)OH-U-UUU-MMM
MAKE IT FEEL REAL GOOD FOR YOUSHAKE THY WONDERMAKEROH-H-H-AH-H-HHH
GOT TO DO ITSHAKE THY WONDER MAKER
AH-H-H-UH-H-HMMMSHAKE THY WONDER MAKERSHAKE THY WONDER MAKERI’VE GOT TOSHAKE THY WONDER MAKEROH-H-H H-H-H-H-HSHOW YOU ALL THE POWERS I POSSESS BABY.

Decasia de Bill Morrison

"Decasia" muestra una gran posibilidad de trabajar con material dañado, cosa que en el cine convencional es poco utilizado, pero creo que es una propuesta interesante pensando que ya no se busca la belleza en el arte. Puede ser dificil de ver, pero explora un terreno del cine que puede abrir caminos nuevos de utilizar material apropiado o manipular tu propio material, asi expresando diferentes sensaciones visuales.

El material conseguido por el propio Morrison es muy extenso y refleja la cantidad de trabajo que implica un trabajo de este tipo.

Buscando información sobre Bill Morrison encontré este comentario que me parece interesante:

El cine experimental ha de aportar una experiencia. Esto es lo que hace “Decasia”, confunde, perturba, ¿da qué pensar? ¿O sólo algo que sentir? Muchas veces no sabemos qué estamos viendo en pantalla o por qué la gente hace lo que hace. ¿Por qué baila ese hombre árabe al inicio, con esa desesperanza? ¿A dónde fue ese éxtasis a cámara lenta? ¿A qué golpea ese hombre, a parte de a la parte derecha de un fotograma calcinado? ¿Por qué grabar esas caras de niños en un autobús, esas caras llenas de agujeros… dónde están esos niños? Todo pierde significado con el paso del tiempo, se descontextualiza, se presenta como horrible, confuso, nada puede quedar registrado… el andar de las monjas en el patio de colegio se vuelve siniestro, lento; conmociona.

Necrology

Lawder hace un juego con el espacio y el movimiento, aunque no se puede dejar fuera el tiempo. Esta serie de personajes parecen estar en parte de su actividad cotidiana, pero por el titulo y la sensación que me transmite, estan siendo evacuados de este mundo para llegar al proximo o a la nada, estan un un elevador sin fin. La tecnica utilizada no me es clara pero no le doy mucha importancia, es un trabajo interesante y me pareció un detalle muy simpatico lo que hace con los creditos.

Corridor de Standish Lawder

Me parece que es un gran trabajo que explora las posibilidades de manipular un material cinematográfico, es evidente que el material grabado es muy poco en comparación con lo que dura "Corridor", Lawder manipula su material haciendo desde cambios de velocidad de la imagen, invertir el color, ponerle reberberación, disolvencias, yuxtaposición de planos. Creo que el sonido es un elemento muy importante en este trabajo ya que en lo personal, fue lo que me ayudo a acceder a este material por completo, convirtiendolo en una experiencia, un viaje visual y sonoro.

Global Groove - Nam June Paik

Cuando recuerdo "Global Groove" me viene a la mente un collage de imágenes, con una estetica muy definida por la televisión, efectos que alteran el tiempo y el espacio, de formas que hoy en día no impresionan, pero en 1973, fue una especie de burla a todo el contenido televisivo. Comerciales de Pepsi, tomados de la televisión Japonesa se yuxtaponen a performances de artistas de vanguardia como John Cage, Merce Cunningham, Allen Ginsberg y el Living Theatre, bailarines que se desplazan en un espacio sintético y coloreado.

Proyecto corto experimental - "Morris"

Descripción del proyecto:

"Morris" es un sentimiento, un estado de animo que me acompaña desde la secundaria. Nace en las clases de ingles donde una señora llamada Susan hablaba con volumen muy bajo y en un tono monótono lo cual invocaba a Morris. El nombre Morris sale de un chico que nunca conocí llamado Morris Escaloni, me lo describieron con una vestimenta de la siguiente manera: Shorts amarillos apretados, camisa de botones fajada, calcetín alto y zapatos de boliche.

Cuando en las clases me desesperaba, mis amigos susurraban "Moooorrissss, Moooorrrrrissss" lo cual subía mi desesperación y mi nivel de hiperactividad provocando voces diferentes a la mía y movimientos bruscos que me llevaban a ser expulsado de la clase.

En este corto experimental quiero expresar lo que es "Morris", estoy seguro que todos tienen algún tipo de Morris por ahí guardado, yo pretendo explorar el mío.

Por medio de sonidos penetrantes y susurros, algunas imágenes que me me parecen que pueden provocar "Morris" y la locura de el mismo, pretendo que el espectador llegue a experimentar un poco lo que se siente cuando la desesperación se hace más aguda y se trepa "Morris". El ritmo del corto irá aumentando su velocidad mientras vemos la explosión que provoca ese estado que comenzó por clases en la escuela, pero puede pasar en cualquier lugar.

Escaleta:

Todas las siguientes tomas serán editadas junto con material apropiado que buscaré en relación con lo grabado.

-Pantalla en negro, escuchamos durante un minuto susurros que dicen "Morris"

-Señora hablando, la vemos en camara rapida, los susurros son mas fuertes.

-Manos zarandeando una mesa

-Pies pegando, uno contra otro

-Vemos un lapiz impactar contra nudillos.

-Una puerta cerrada. El sonido se hace mas intenso

-La puerta tiembla

- Pie pateando puerta

-Exteriores sobre expuestos en los primeros segundos.

- El personaje corre

- Se escuchan voces que dicen "Davidanooooo fortunanoooo, Fortuna nuuuunca, Ivonasiiiiiii" se repite varias veces.

- Se ven manos juntas que mueven dedos.

- Arbol de jacarandás

-Hojas del árbol en la banqueta, pasa "Morris" pisandolas

- Vemos humo saliendo de una boca.

-Respiración honda.

Las siguientes son referencias visuales, sonoras y de montaje.

Black Ice - Stan Brakhage

"How many colors are there in a field of grass to the crawling baby unaware of "green"?"
— Stan Brakhage

Stan Brakhage, uno de los cineastas mas interesantes a mi parecer, mientras mas conozco su obra mas la aprecio, aprecio que trabaje con las manos, combinando técnicas inventando y proponiendo formas de hacer cine. Black Ice como muchos otros filmes son sumamente viscerales, sensoriales, te hacen sentir cosas que a veces no eliges pero sus colores y su ritmo visual no puede pasar desapercibidos por el ojo de la mente.

Punishment Park - Peter Watkins

Es importante valorar esta atrevida y provocadora película desde el contexto histórico en el que se realiza. Es 1970 con una sociedad norteamericana metida en una guerra que no eligió, gracias a eso surgen grupos que se oponen a luchar, grupos pacifistas y con ideales comunistas.

En Punishment Park, Watkins a través de un falso documental nos deja claro como ve la situación, están los dos tipos de persona, los fuertes y los débiles. Siento que la película tiene momentos específicos en los que la sinceridad molesta, sabemos que es una ficción con una propuesta visual documental muy bien lograda y hermosa, pero no podemos negar que se acerca demasiado a una realidad que sigue vigente y tal vez mucho más que en 1970 ya que tenemos la ventaja de la historia, sabemos de gente con espíritu revolucionario que ha luchado y ha perdido. Me recuerda el documental "Underground" que trata sobre un grupo de rebeldes que viven de parte clandestina, la diferencia es que de esa película salí sin esperanzas ya que en esa época creían que cambiaría todo el orden social y político de E.U. y ahora sabemos que no, pero Punishment Park, aunque no es optimista me deja con ganas de actuar contra esos personajes rígidos y autoritarios, hijos de puta y opresores que nos gobiernan.

Maxwell's demon - Hollis Frampton

I wanted to do something -to put it as sentimentally as possible-for James Clerk

Maxwell who is, or was, either the last qualitative physicist or the first quan- titative physicist . Maxwell is known and admired among physicists for his work in thermodynamics, which is something I don't know or understand very much about. I believe we're all steeped in thermodynamics in the physical sense ; but I have particularly revered Clerk Maxwell because he became, in a very brief aside in

a lecture delivered at the Royal College of Edinburgh or some place like that, the Father of the Analytical theory of color, which,in it's applications and ramifications, has given us color photography and color cinematography. Hollis Frampton.

Me parece interesante que Frampton lleva un pensamiento-experimento de la segunda ley de la Termodinámica a un filme. Cuando vi Maxwells Demon no logré entender muy bien la relación entre lo que explica Frampton en su entrevista con Robert Gardner sobre la Termodinámica, pero ahora que investigo más sobre el tema, me gustaría verlo de nuevo con una idea mas clara. Aun así me pareció interesante el movimiento de ese individuo que parece estar haciendo calentamientos, el sonido que establece un ritmo junto con la imagen pero no necesariamente en sincronía.

El siguiente video ayuda a entender lo que es Maxwell`s Demon.

Glaze of Cathexis - Stan Brakhage

En este filme experimenté algo distinto que en los demás trabajos de Stan Brakhage, en ningún momento me preocupó saber con que técnica se realizó. Fue un viaje visual corto en su tiempo pero largo en su intensidad, mucho movimiento, mucho ritmo, colores, formas. Es como un collage en el que la interpretación queda fuera dejando al ojo pasar libremente la señal hacia a mente del espectador.

Star spangled to death - Ken Jacobs

Me interesa hablar del personaje de Jerry, quien representa a los que no encajan en una sociedad, mas bien en la una sociedad determinada en un lugar y un tiempo en el que cuando las personas intentan salir o salen por falta de recursos de las conductas determinadas como "normales" o "aceptadas" se les hace a un lado. Para mi pesa mas Jerry que Jack quien sería un tipo de contraparte ya que es el que vive la vida.

Creo que es un filme que se necesita ver varias veces para lograr entender todas las analogías y todo lo que hay por experimentar e interpretar. Una de las partes que mas me gustó es la de los experimentos con los monos, me parece genial.

GZ: Whereas you were hoping an indeterminate cinema, an explosion of cinematic images presented to the viewer, would allow the viewer through reflection and interpretation to take an active role in the aesthetic experience, you see that this idea of indeterminacy is being used to reify viewers.

KJ: Ironically, when I first got started making films, in a vague sense this is what I hoped for – a cinema by which, through interpretation and reflection, the viewer could constitute his or her own aesthetic experience. Yet, experiences like the one manufactured by this game have no place for interpretative or reflective capacities of the human mind. They merely give the illusion of choice, while turning people into automatons. It lends no real freedom to the viewer, or in this case, player. Here it’s just training and triggering in violence. It’s just a matter of choosing who to kill. You are taken deeper and deeper into this fake reality, which gives you a false sense that you are making decisions. In a sense, games like this one are just continuing a trend amongst many films. I hoped that an indeterminate cinema would force the viewer to actively reflect on what they saw on the screen and not just be a passive receiver of images, but make decisions and judgments. I want to give the viewer as much freedom as possible to reflect on what they have seen.

Stalker - Andrei Tarkovsky (sin sonido)

Ver Stalker sin sonido fue realmente difícil y tedioso, es una de mis películas favoritas y la conozco bien, creo que el poder de las imágenes es impresionante, pero después de haberla visto con sonido, no puedo dejar de pensar que el trabajo sonoro en las películas de Tarkovsky tiene mucho peso. Tal vez si nunca la hubiera visto con sonido podría encontrarle una razón o la imagen se revelaría de una manera distinta.

La película es larga, la primera media hora intenté experimentar la experiencia Tarkovsky sin sonido, lo logré, me pareció un filme muy bien logrado visualmente, el texto de los subtítulos jalaba mi vista hacia ellos, después de la primera hora, no leí mas, me concentre en la pura imagen y la manera en que es explotada, se utiliza una técnica en la que se retiene la plata y le da colores apagados, hacia los grises, hacia los amarillos. Llegamos a la Zona y la película se torna colorida, contrasta la última imagen de color apagado con un hermoso verde, aunque no muy saturado, pero entra como inesperado, aunque ya sabía en que momento cambia.

Hay momentos en el que extrañé mucho el sonido y la musicalización, primero en el camino a la Zona porque parte de ese recorrido que te transporta a otro lugar, es como un limpiador de mente en el que el sonido te aparta de la realidad pero siempre usando elementos sonoros incidentales. Otro momento en el que estuve a punto de quitar el "mute" fue cuando la hija del stalker mueve los vasos en la mesa, recordaba tan bien el fondo musical y el sonido de los vasos moviendose, que por un momento lo escuche, pero el volumen era muy bajo y disperso.

Winter Solstice - Hollis Frampton

El limpiador de ojo. Fue una experiencia ver fuego en una pantalla por tanto tiempo, cuando hice el ejercicio de observar 45 min. una fotografía, pasaron cosas similares, el proceso de interpretación, aburrimiento, viaje visual y viaje mental se dio en etapas muy similares. En cuanto dejé de pensar y me dejé llevar por la imagen, fue interesante que cuando termino el filme, no me acordaba donde estaba mi mente durante ese tiempo, solo recordaba la interpretación de símbolos, figuras y luces seguido de aburrimiento.

Lemon - Hollis Frampton

"As a voluptuous lemon is devoured by the same light that reveals it, its image passes from the spatial rhetoric of illusion into the spatial grammar of the graphic arts."

Es interesante como Frampton utiliza tan pocos elementos y logra comunicar tanto. Con una luz, un limón y una cámara me hizo relfexionar sobre la interpretación de las formas, sabemos que lo que vemos es un limón, estamos seguros y no hay la menor duda. Es una figura que se puede asociar con muchas coasas, hace una fuerte referencia y para mi la más obvia y no la más interesante a un pecho de una mujer. Pero bien podría ser un cochinito de perfil o una infinidad de cosas, mientras va cambiando la luz, se reveln nuevas lineas de fuga hacia futuras interpretaciones.Creo que es la esencia del cine, la valor de la imagen y el poder de interpretación que tiene.

Critical Mass - Hollis Frampton

"As a work of art I think (Critical Mass) is quite universal and deals with all quarrels (those between men and women, or men and men, or women and women, or children, or war. It is war!... It is one of the most delicate and clear statements - human relationships and the difficulties of them that I have ever seen. It is very funny, and rather obviously so. It is a magic film in that you can enjoy it, with greater appreciation, each time you look at it. Most aesthetic experiences are not enjoyable on the surface. You have to look at them a number of times before you are able to fully enjoy them, but this one stands up at once, and again and again, and is amazingly clear."

Stan Brakhage

Este es uno de los filmes de Frampton que más disfruté, me parece que con la utilización del sonido explora la relación entre la imagen y el audio. Me gusta que comienza con la pantalla en negro, ya que al escuchar la conversación refractada con repeticiones e interrupciones, no me imagino una imagen que le vaya bien, pero en cuanto aparecen los primeros cuadros, la imagen y el sonido se vuelven uno, se crea una conexión que nos provoca replantearnos el poder de estos dos elementos que conforman el cine.

x20 - Hollis Frampton

"Artificial light repeats variations on a single filmic utterance twenty times. The same phrase is a series of portrait shots of a group of young New York artists informally talking, drinking wine, laughing, smoking. The individual portrait-shots follow each other with almost academic smoothness in lap-dissolves ending in two shots of the entire group followed by a dolly shot into a picture of the moon. In the following synoptic outline, this entire phrase, which lasts about one minute in black and white, will be called A :

Artificial light

1 . A, upside-down and backwards

2 . A, in negative

3 . A, with superimposition of sprocket holes

4 . A, with eyes painted blue and mouths red

5 . A, scarred with a white drip mark

6 . A, covered with transparent stripes of red and green

7 . Still shots in sequence from A; a stroboscopic or flicker effect

8 . A, almost obliterated by scratches

9 . Shots from A, toned different colors by dye, in an asequential order

10 . A, with faces and hair outlined by scratches, dissolves marked with a scratched slash (/)

11 . A, spotted with multicolor drops

12 . Superimposition of A, with a copy of A in which left and right are reversed

13 . A, with all faces bleached out

14 . A, with a flicker of colors (red, green, blue)

15 . A, covered with art-type printers dots

16 . A, toned sepia

17. A, superimposed over itself with a lag of one-and-a-half-seconds

18 . A, interrupted by two-frame flashes of color negative

19 . A, colored, as if through an electrical process, in a series of two primaries

20 . A, with a closeup of a moon crater substituted for the expected moon shots

Al ver este trabajo de Hollis Frampton siento que ya lo he visto muchas veces, supongo que se debe a la sobre explotación de la imagen que se ha dado en la última decada, "x20" se hizo en 1969 cuando no se veía este tipo de multiplicación de imágenes como algo ordinario, cuando veo este filme, se abren lineas de fuga que remiten a cámaras de seguridad. Al ver "Zorn Lemma", film que hace Frampton en 1970, creo que logra mejor lo que intenta explorar en "x20", ya que el significado y la interpretación de la imagen termina por desaparecer.

Aqui dejo "Zorn Lemma" para que lo chequen: